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美术馆语境下的策展实务CAFA设计学院课程

01 课程介绍

课程内容

策展实务是一项基于“实用智能（practical intelligence）”的行为，也是构成策展语法体系的重要元素。 从最初的想法与灵感到最后在空间中落实，这其中囊括了多个领域、多种关系以及整个系统的具身考验与流程把控。

本课程以中央美术学院美术馆为课程考察、实践机构，围绕美术馆运营机制、职能架构、馆藏机制、策展机制、展览管理、美术馆建筑与空间、展览设计、公共教育、媒体宣传、展览出版、智识推广、资源拓展等职能，深入学习与理解美术馆语境下的策展实践，建构系统的策展实践认知与实施能力。

课程内容还包括 民营美术馆运营机制、美术馆品牌与基金、国内外经典展览实践案例和策展语法解析。 期望通过考察、实践结合讨论、思考的方式，建构更为系统的策展实务认知和多维的策展思考模式，拓宽策展实践能力。

课程目标

01、建构策展实践模式的系统、辩证认知，强化理论与实践的有机结合与共融；

02、深入学习美术馆语境下策展实务的基本内容与功能、流程以及成果导向，推进专业性提升；

03、为拓宽策展实操经验打下基础，课程结合主题讨论和模拟策展实践；

04、通过策展实践强化思辨与学术思考，保有面对各种新事物、新思想的开放、思辨与研究的态度。

课程作业

作业 A: 美术馆与展览阅读报告

根据给定的美术馆名单进行调研，并选取其中一个典型展览进行分析，撰写美术馆与展览阅读报告。

作业 B：文献书籍翻译

针对文献书籍进行分章节选读并翻译中文，训练阅读与写作能力。

作业C：梳理讲座内容

邀请美术馆各职能部门负责人针对美术馆运营机制进行讲解，同学们对讲授内容进行文字编辑整理。

作业 D：策展实践

以中央美术学院美术馆为模型，全方面策划展览，制定完整的展览方案，其中包括展览背景调研、主题阐述、展品选择、展览设计（主视觉设计&空间规划）、公共教育规划、媒体宣传计划、展览印刷品、预算与募资等。

02 课程作业方案

Group 1

无远弗届：感知的重构

Reconstruction of perception

小组成员

展览背景

仿佛就是在一夜之间， “万物皆可元宇宙” 。元宇宙（metaverse）这个概念挟裹着一股巨大的力量。人们开始为之兴奋，开始出现各种各样的元宇宙公司，股市里所谓的“元宇宙概念股”成为了一股不容小觑的力量，人们也愿意相信，元宇宙就是互联网世界的“下一件大事”。

元宇宙最初是出现在科幻小说中。美国科幻作家尼尔·斯蒂芬森（Neal Stephenson）在他1992年发表的科幻小说《雪崩》（Snow Crash）中首次创造了“元宇宙”一词。

主题阐释

历史的车轮滚滚向前，文明的发展从来不是人类主动选择的结果，如果人类文明最终不得不选择元宇宙，那我们首要思考的就是，如何在这一天来到之前，平衡“后人类社会” 从所谓的“碳基生命”向“硅基生命” 过渡的过程。在这期间自始至终会存在两种演变：一种演变是生物学的、信息论的、技术的演变；另一种演变则是伦理的、文化的和社会的。这两种演变都同时充满期望和难以预期风险的前景。有一种说法：在未来，超过90%以上的人类活动，科研、艺术、教学、开发、设计，都会在元宇宙中进行。那么这个时候我们必将思考人类学以及哲学问题的思考， “ 触摸是人类感知世界的一种方式”。 当人类进入元宇宙时代，我们的感官是否应数字化而退化。斯坦福大学的医学教授和作家Abraham Verghese博士“我们知道，数字世界将接管一切，但我们需要找到方法来改善缺乏身体接触的负面后果。”

一个虚拟世界正在逐渐成型，人们在现实世界中的很多幻想将在这个虚拟世界中实现，人与人之间的交流感知方式也将完全不同……

展览前言

触觉从来都不是孤立的，也不仅仅是几种信号的简单总汇。 “触摸是生死攸关的问题。” 与其他哺乳动物相比，人类在出生时能做的事情很少。她说：“在早期，我们的生存依赖于父母的照顾，而这一切都是通过触摸来实现的。触摸具有一种不同于其它感官的力量。”触觉往往和人的其它感觉相结合，受经历、情绪、心境和记忆影响。同视觉、听觉甚至嗅觉相比，触觉远不被人们重视。但触觉对人类的重要性却非同小可。人类不仅仅用触摸来感知外部世界，也用它来和世界、他人交流，建立亲情，友情和爱情。“触摸是一种非常复杂的感觉，这就是为什么在现实生活中使用触摸与我们的世界互动是一种非常美妙的体验。”瑞典斯德哥尔摩卡罗林斯卡学院的生物学家托马斯·佩尔曼（Thomas Perlmann）说：“ 我们如何感知周围的世界，对生活中所有事情都至关重要。”

在2011年的TED演讲中，斯坦福大学的医学教授和作家Abraham Verghese博士指出，随着科学技术的发展，医生和病人之间的交流和接触越来越少。但他认为，任何技术都不能取代医生和患者间的面对面的“望闻问切”。当医生捧起病人的手仔细观察时，用听诊器倾听心跳时，用手挤压腹部感觉内部器官是否异常时， 触摸更重要的是建立一条纽带，一种仪式感。 其传递的信息就是：无论发生什么，我都会在这里，关心你，帮助你，永不放弃。

展览导语

本次《无远弗届：感知的重构》展览总分为 后人类预言、感知重构预言 两个板块。两个板块共展出近10余件艺术家作品，展览将在元宇宙背景下全面数字化带来的人与人直接触摸减少、感知器官逐渐淡化，届时人类学将会发展到何种程度， 我们的思维会和红线一样错综复杂，我们是否会享受钢琴曲和水滴落下的瞬间，当我们面对面时箭会射向何方，我们一呼一吸之间距离有多远。 展览首次探讨元宇宙之后后人类社会时代人民城寨的衣食住行以及人类感知能力的何去何从。中央美术学院美术馆是《无远弗届：感知的重构》展览全国巡展第一站，展期从4月25日之后将继续无远弗届的旅程。

展览板块划分

现代，现实人类和他们创造的虚拟人，正在形成新的社会关系与情感连接，成为开拓“元宇宙”边界的先驱者，并在虚拟新大陆上构建后人类社会。17世纪的德国数学家莱布尼茨曾经想象，上帝创造世界时，心里肯定有无数个方案，每个方案就是一个可能世界。最后，上帝挑选出了他心目中最好的那个世界，把它变成了现在的真实世界。这也就意味着，在真实世界之外，可以存在无穷多个可能世界。人类的神话、童话、小说等文学作品，就是在描述那些可能世界；而元宇宙是有史以来第一次，人类把一个可能世界变成真实世界。而 元宇宙很可能对真实世界产生虹吸效应，人们会逐渐搬迁到元宇宙当中，元宇宙越有吸引力，真实世界就越荒凉。

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感知不仅是胡塞尔思想的起点，而且是现象学的起点。 感知作为一种直观行为不仅是意向行为的典范，而且是最终奠基性的意向行为，它构成胡塞尔意识分析的至关重要的一部分。

感知有意义吗？ 建立在感知之上的判断的意义并非来自奠基性的感知，恰恰相反，在感知判断中，意义的承担者不是感知，而是判断。而进入后人类时代，虚拟与现实相互交叠。触觉身体感知逐渐替代或欺骗，新一代的人类如何重新构建感知……

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展览空间设计

本次展览空间共分为两部分，第一部分代表着第一板块（后人类预言）其中 包括5块影像区域、1块独立场景空间，从而采用分块式空间进行布展 ，可以起到阻止互相之间影片与声音的干扰。以暗色为主色调，保证观看效果。

第二部分则代表着第二板块（感知重构）其中 包括3个装置作品、1个摄影作品、1个VR绘画体验、2个影像作品。 将最高的盐田千春作品放于展厅中间地面与天花板距离最大之处获得很好观感，其次，将最重要的阿布拉莫维奇的作品放于空间最大处表示其重要性。木炭条及坂本龙一作品均放置于独立空间，增强其感受性。最后此展厅设有休息区可供来访者休息。

展览空间风格随两板块的区分有所不同， 第一板块注重影片观看即采用镜面、投影等带有科技感的方式进行展示。第二板块注重“感知”，则在视觉、触觉上增大观展人的感觉，通过增加肌理、纹路、特殊材质来实现

展览空间平面图

展览作品分布图

展览空间动线图

空间效果图

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展览视觉设计

主海报

场景应用

展览门票

导览册

展览衍生设计（帆布袋）

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小组成员

数字时代下媒体与科技创新拓展了人们的认知，虚拟世界把握住大众情感需求以及大众对话语权民主化、艺术大众化的向往，得以凭借最适宜其生长的方式控制了文化前进的模式。拟像和仿真创造出的无限度的虚拟空间、记忆或情感，已经触及到生活的各个领域，科技改造自然、改造人类、改造社会，不断吸引着大众对其产生依赖，从而维持和拓展人类的生活空间。实质上，我们接收到的是越来越碎片化的现实世界和被割裂的信息，可以避世沉思的空间日渐稀缺，这是当下我们无法回避的问题。 这种“虚”与“实”之间边界模糊的状态也使得我们可以开始批判性地审视虚拟世界的现实根基并试图触发处在麻木状态中人们的反思。

展览简介

本展览由 “有形与无形” “祛魅与返魅” “秩序与再秩序” 三个部分展开。展览作品汇聚了各领域艺术创作者，包含影像、雕塑、装置、NFT数字艺术等不同类型表现手法。艺术家们通过作品寻找一种语言用以所谓虚幻与现实的裂痕进行链接与延续，找到通往虚拟与真实临界的入口，从可感可知的角度出发，将“虚无之物”化为“有形”，穿虚走实，不断打破与重构，构建真实与虚幻的多重隐喻。

串联场内的人、景、物，引导观者与作品一同思考、反思、发现问题，形成观众与作品的共鸣。艺术家们以多元的手法表现“虚”与“实”之间的 相互攻击、相互链接、再到相互接纳和渗透 。

展览前言

后现代主义理论家鲍德里亚在1980年代提出: “表象早已取代真实，真实不复存在；复制的符号或再现的拟像就是我们能够拥有的真实”。

数字时代背景下，媒体与科技创新拓展了人们的认知范围，虚拟世界凭借对大众情感需求的把握，以及大众对话语权民主化、艺术大众化的向往，以最适宜其生长的方式控制文化前进的模式。现代人认识世界的方式也逐步被“媒介化”，人们试图在网络空间觅得真相的踪迹，而真相就在新媒体的信息互动中被谋杀。拟像和仿真创造出的空间、记忆、情感，依靠对吸引着大众对其产生依赖以维持和拓展人类的“生活空间”，人们愈发着迷于体验的奇观，逐渐习惯于网络生存环境。实质上，我们接触到的只剩越来越碎片化的现实世界和被割裂的信息，可以避世沉思的空间日渐稀缺，这是我们无法回避的“危机”。

定义现实与虚构之间的界限越来越模糊，而这种“虚”“实”之间边界模糊的状态却能催生一种效应，使得我们可以开始批判性的审视虚拟世界的现实根基并试图触发处在麻木异化状态中人们的反思。

参展艺术家名单

01 安东尼·奥罗拉 Antoni Arola 《不存在的空间》

02 创意方向和设计Studio Fantastico & Fuse《多重宇宙.pan》

03 马里亚诺·萨顿 Mariano Sardón & 马里亚诺·西格曼 Mariano Sigman 《凝视之墙》

04 卡德尔·阿提亚 Kader Attia 《反观记忆》

05 郑达 Zhengda 《未知时空的光泽 》

06 弗朗西斯科·卡马乔·埃雷拉 Francisco Camacho Herrera 《清醒梦》

07 田晓磊 Tian xiaolei 《后人类动物园》

08 玛蒂尔德·拉文 Mathilde Lavenne 《热带雨林》

09 陆扬 Lu Yang 《独生独死》

10 费俊 Fei Jun 《预见：有趣的世界》

11 曹斐 Cao Fei 《人类几乎》

12 柳迪 Liu Di 《顽固而持久的幻觉》

展览板块划分

我们以“有形与无形”作为展览的开始，这一部分的作品大多通过不同的视角呈现对“虚”“实”关系最直观的理解，或通过对潜藏在人与自然之间或人类社会内部的那些超过语言能力范围的、容易被人们忽视和遗忘的现象、体验、意识等，通过多种媒介进行探索（如视觉、听觉、触觉、记忆）。艺术家们以敏锐的视角来表现“虚”“实”间的攻击、链接或接纳和渗透。这一部分也是对“虚实相争”这一主题最直观地体现。

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宗教神祇衰落后，艺术家和诗人曾经一度取代上帝成为缔造者。而现在过度信息化成为世界重返迷魅新的始作俑者，拟像创造出第二生存空间就像宗教独裁的现代版本，如同一场新的造神运动。如今，我们是否需要展开对数字时代的“再祛魅”。该部分展品内容主要围绕艺术家对于时代的思考，从可感可知的角度出发，避开艰涩难懂的语言，引导观者与作品一同思考、反思、发现问题，形成观众与作品的共鸣。

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策展结构

展览空间设计

展览空间设计了三个区域，其中编号1、2、3分别对应展览的“有形与无形”、“祛魅与返魅”、“秩序与再秩序”三个板块，设计基于美术馆三层的整体曲线利用新增墙体将空间进行划分，使区域形成圆中带方、方圆结合的分布结构。同时圆和方的设计意在更好的将三个板块进行区分。

首尾两个板块充分利用观展动线，引导参观者顺次观展以建构初步的由展品所带来的感官体验。中间板块则设计成由三个圆弧组成半开放空间，使参观者有充分的自主性，自主选择第二板块的观展顺序，以方便参观者感受到由自身主观能动性所带来的观察与体验。

整体空间的设计主要强调交互性，利用空间的氛围营造，展品的内涵输出，参观者的本体参与互动来反映人与空间、“虚”与“实”的内在关系。

展览空间结构图

空间布局划分

空间动线图

空间效果图

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展览视觉设计

展览主视觉

应用场景

展览衍生品设计

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Group 3

心像雕塑：斯特法诺·波达的疗愈剧场

Imaginal Sculpture

小组成员

展览背景

在势不可挡的经济发展和信息化热潮的影响下，世界是由数字搭建起来的，计算机通过算法似乎能“读”到我们的潜意识，瞄准我们自己都不知道的欲望和弱点，连人们的情感都变成了可被衡量计算的数据。我们开始变得务实，思想在不知不觉中被简单化，同质化，并且渐渐与我们的身体的感官知觉割裂开来。可这种分割终将会导致问题，对自我认知的模糊化，使得我们内心的伤疤甚至不被我们自己所知。无法排解的情绪只能隐藏在内心最深处，也许某一天就因为微不足道的小事而突然爆发——正所谓“成年人的崩溃只在一瞬间”。可当今社会留给人们的肆意挥洒情绪的空间寥寥无几，无法调节情绪的人甚至容易发生更严重的精神问题。

艺术治疗，作为如今备受瞩目的融合型专业，因为其不需要语言沟通的性质，受众群体较广。以艺术作为媒介扩大感官经验，可以帮助人们认识自我内在冲突，促进感官经验与认知思考的整合。斯特法诺·波达的直觉型创作是一种艺术治疗的理念，他亲力亲为以一种极致的美学将他在听到音乐的瞬间脑中呈现出的视像如实呈现出来，这个过程就像他在和自己的潜意识对话。但同时 他希望将戏剧带入一个精神境界，舞台作为一面镜子，观众可以坦诚的将自我投射于舞台上，跟随着舞台上不断的失衡又平衡，寻找到在生活中直面焦虑的办法，达到内心的宁静。 可以说波达和观众的心理空间重叠于剧场空间内，相互影响着。我们的展览希望重现波达构建的舞台世界，使观众打开身体的各种感官知觉，通过舞台，影像，声音，味道，触觉等不同形式感知物理存在空间，使观众审视，觉察和整理自我状态的心理空间。

斯特法诺 · 波达是一位超纯粹质感的 舞台设计师，导演，艺术家。 他执导的歌剧恢弘、大气、有质感，从宏观的舞台构架到演员的每一个表演的细节里都呈现着他高度提炼的思想以及美学概念。

赫麦·拉底格拉斯在《斯特法诺·波达和艺术的真理》一文中写道，“波达是一位真正的现代艺术家，其作品所创造的世界观与怀恋感，激发着人们的思考，以及道德和美学角度上对世界的理解。在他的作品中，艺术不仅因其社会功能而被人们理解，它还借助美学、对称、和谐等内在标准，揭露了 象征主义、升华了一般概念并实现了美学吸引力”。

展览阐释

本次展览于中央美术学院美术馆三层的展览空间，以意大利歌剧导演斯特法诺 · 波达Stefano Poda的创作历程为主线， 以波达作品中所运用的艺术治疗理念为暗线，多角度展示波达所塑造的宏大的舞台世界。 观众可以触碰和体验到他所赋予舞台的能量场和生命力，认识到自我内在冲突，促进感官经验与认知思考的整合。 我们希望使波达和观众的心理空间重叠于剧场空间内，相互影响。

Stefano Poda是一位不停探索，不断追求突破的艺术家。他被誉为“五位一体”的 歌剧导演，兼导演，舞美，服装，灯光和编舞为一身的全能型创作者。 他的创作通常是将听到音乐后一瞬间在脑中形成的画面如实的呈现出来。Stefano Poda的创作既充满了瞬时的灵感和直觉，又拥有着严谨的编排和执着不懈的坚持。平衡于这两者之间，同时追求突破束缚而彰显自由的精神，是他赋予戏剧艺术生命力的弹性准则。

展出的四部作品分别是：2015年在图灵大剧院演出的的最具代表性的作品之一 《浮士德》 ；2018年在图灵大剧院演出的以中国为故事背景的 《图兰朵》 ；2018年于北京国家大剧院表演的 《罗密欧与朱丽叶》 ；2021年在莫斯科演出的最新作品 《托斯卡》 。展览通过展示这四部作品的舞美，服装设计，演出视频等，通过结合音乐，灯光，现场表演等，打造出剧场感的展览的空间。

展览板块划分

3A展厅的“雕塑” ：波达遵从听到音乐后一瞬间在脑中形成的画面而创造舞台，观众通过观看波达通过直觉创作出的视觉现实，来了解到他的内心世界。我们将这个过程类比了艺术治疗中的Art Therapy——艺术用于治疗，把作品中投射出的作者潜意识进行分析。

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3B展厅的“心像” ：通过使用波达的舞美元素构建一个剧场空间。波达说“舞台就是镜子，观众实际上是在观看其自我。”我们将这个想法结合了艺术治疗中的Art as Therapy——以个体的体验为中心，创作过程中达到治疗的效果。

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策展结构

展览空间设计

平面结构图

空间动线图

空间分布图

空间效果图

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交互程序

观众可以下载为展览设计的手机app导览后在第一部分展览中扫码生成个人形象，并在隧道进行交互，app还包括了展览前的预约表演，艺术家介绍，展览信息，展品及空间。

展览视觉设计

主海报

展览工作胸牌

展览门票

展览物料

导览册

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Group 4

算法经纬：升维作为体验与方法

ALGORITHM LATITUDE AND LONGITUDE：

Dimension Upgrading as Experience and Method

小组成员

策展背景

现代社会，算法与互联网如同经与纬般编织进我们的生活中，我们对于虚拟逐渐产生依赖性。 算法艺术正是这样社会背景下的衍生品。作为数据而存在，算法如何产生动人的艺术？理智与冷漠如何碰撞出细腻的情感？以算法作为新形式呈现艺术。纵观算法艺术的发展，我们如何感受到到无机数据下的情感喧嚣。

数据的艺术与表达是在现有社会背景下进行情感的发散，加速了算法与生活的交织，同时，借用现代特殊符号与工具，扩宽了艺术探寻的边界，打破了艺术与生活、学术的壁垒。是艺术多边形发展的见证，是算法与艺术的双赢。

展览阐释

展览通过对算法艺术的纪传，分别以先驱艺术家为主探寻了早期布面、纸张为媒介的算法艺术，和后期不同媒介、形式下的算法艺术。 在现代语境下研究算法艺术的发展轨迹和未来的广阔前景。

展览板块划分

展览分为两个部分。第一部分以先驱艺术家为主的60到80年代，艺术家们的开创性和实验性尤为重要。第二部分则以80年代中后期模拟生态类作品、社会伦理类作品、建筑类作品和文化类作品为主，分别展示了现代语境下算法艺术的发展。

作品由第一部分的单一的平面形式，在第二部分则变成立体的影像、建筑或者模拟系统，涉及到了更多的维度和不同的领域。 这正是算法艺术随着时间的不断发展与进步的体现，同时也契合了此次展览“升维”这一主题。

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展览空间设计

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展览视觉设计

展览主视觉

应用场景

展览门票

03 阅读与梳理

课程要求同学们在中央美术学院美术馆 2018年-2022年举办的展览中选择具有典型性展览，进行调研并撰写展览阅读报告。邀请美术馆各部门负责人针对美术馆运营机制进行讲解，课后同学们对讲座内容进行编辑梳理，以下为各讲内容摘要。

张子康

中央美术学院美术馆馆长、教授

今天分享的课题主要是针对当下美术馆展览策划的一些思考。近年来，关于疫情爆发、展览模式逐渐更迭、虚拟美术馆的开端、场域的逐渐形成。除了经济、政治、文化上受到冲击，人们在互相流通当中也受到了阻碍，疫情给我们带来的是更多的反思，尤其是博物馆和新美术馆时期也对当下与未来的各个层面讨论非常活跃。其次思考点是美术馆理念的转变，艺术创造者与美术馆的转换之间的连接是一种互相推动的关系。在我的思考中策展美术馆要不断的推出新的价值的地方。新的认知推动新知识的建立新认知，艺术的魅力就在于，越经典的作品在今天的价值越大，最终是一种制式的价值放大。我们最终应该找到当代艺术当下的社会格局，形成了集体的艺术的观念，创造认知、生成艺术、创造策展。

王璜生

中央美术学院教授、学术委员会委员、博士生导师、广州美术学院美术馆总馆长

王璜生教授围绕建构与解构构面向新美术馆学的策展展开了演讲。演讲从四个方面展开，第一个是知识规则的建构与解构，策展作为介入美术馆的活动的一种实践力量，要在面对这种不健全的美术馆的制度、体系以及社会的认知下，通过策展以及展览实践相关活动来建构大家对美术馆的制的完善，改善知识系统的建构。第二个是在当代语境下，如何把握多远的文化个体。在这样的一个不同的层面又并存的历史文化语境中，进行结构跟结构的工作。第三个是美术馆还肩负关注现实，面向未来的双重职责。如何用科技的方式去关注人类的未来命运人类的未来，人类的现实是艺术市场和策展要不断的去警惕的思考的。第四个讲到了从美术馆到新美术馆的问题，从多种理论来开展新的美术馆学的策展。

高高

中央美术学院美术馆副馆长

作为系列讲座的开篇，高高副馆长从“策展人”和“美术馆”这两个词在历史中的演变进行了梳理。从“策展人”这个词来源于拉丁语的“Curare”，原意为“照看”，后来逐渐出现了照看、梳理富人收藏品的专职工作者，再到二战后随着一些具有独特思想和观念引领性的展览开始出现，“策展人”才接近了现在我们所理解的定义，是除了保管梳理之外更增加了一种具有高度的艺术鉴赏力、艺术趋势判断力的专业人才。当今的策展人是集多角色为一身的，是研究者、策划者、募资人、教育工作者，还要是设计师、写作者和编辑，同时需要作为美术馆的发言人、宣传员和管理者。高高老师还梳理了国内外美术馆史的一些重要节点。外国的美术馆史是从牛津大学阿什莫林博物馆，到乌菲齐美术馆和卢浮宫美术馆。而中国的美术馆史，介绍了从南通博物苑、国立美术陈列馆到中央美术学院陈列馆和中国美术馆。高高老师之后介绍了美术馆的机构设置和每个部门所负责的工作。最后高高老师强调美术馆策展人需要具备的基本意识，需要以研究为基础，运用恰当的策展语言，以公共性作为考虑，协调不同部门来呈现出一个展览。

刘希言

中央美术学院美术馆学术部主任

讲座包含美术馆策展机制与策展写作两部分。刘希言老师首先以央美美术馆学术部为例介绍了美术馆的策展机制，她将央美美术馆近年来的展览大致分为了三类。第一类是由美术馆自己策划的展览，包括品牌性展览、藏品研究展览、当代艺术展览和青策项目；第二类是邀请馆外的策展人或学者，与美术馆合作进行联合策展；第三类是展览协调，包括协助校内部门与校外机构的巡展、交流展等展览落地实施到本馆。刘希言老师特别谈到了自己对策展人工作的理解，她认为策展人不仅需要具备提出展览策划概念、撰写学术文章的研究能力，同时还应具备空间规划想象、公文报审、机构内外协调、艺术家联络、资金把控、危机应变等综合能力，在某种程度上，策展人是沟通美术馆各个部门、连接展览各个部分的“桥梁”。针对另一个策展写作的话题，刘希言老师列举了策展人通常所需要涉猎的各类型写作，如策展方案、展场文字、重点作品阐释、研究文章、公文以及展后的策展札记等。最后刘希言老师从个人经验出发，分享了两个美术馆策展工作中的要点，第一是要注重提高自主策展的在策展机制中的占比，第二是要不断思考如何从美术馆丰富的藏品资源中发掘展览展示与学术研究的可能性。

四个组的选题切入了在当下的设计策展和当代艺术创作领域关注度较高的话题。虚实相争组，在空间设计上注重观众在展厅的行走路线，以此作为体验真实与虚拟的手段。感知重构组则以黑白对比的空间设计来凸显真实与虚拟的关系。算法经纬组在艺术家作品的选择上容纳了历史维度，落地实施度较高，同时建议如考虑实施要注意处理声音艺术作品之间的相互干扰问题。心像雕塑组在展厅的舞台布景上有很大突破，在处理布景与空间以及作品与空间的多重关系时既提出了新的探索，也留下了更多可能性待发掘。总的来说，四组作品在展览主题择选、方案规划设计、创新思维融入方面展示了未来一代策展人的闪光点。

蔡萌

中央美术学院研究员、美术馆影像艺术中心主任、策展人

作为一个展览的创作者，策展人拥有着无法替代的作用。这样的重要作用也提高了对策展人能力的要求。首先，策展人要有一定的审美判断力；其次，策展人要具备较强的学术能力并具有鲜明的态度和立场；再次，策展人要具备更多元的能力，具体到布展阶段就会发现，诸如材料、工艺、色彩、文字、平面、空间、灯光等多方面的关系都需要策展人能够驾驭、判断并找到他们与展览气质和调性的一致性。很多问题是在布展阶段，在空间中，才能发现的。所以，策展人要在实践中具备不断应变各种问题的能力。当各种问题都解决了，展览也就开了。

讲座通过展览案例来具体地分析“创作策展”的重要性和独特性。包括杉本博司为卡地亚做的展览《时间的结晶》（2019，东京）、刘也等展览《寓言叙事》（2018，上海）等，这些展览都具有推陈出新的视觉形式，同时也都体现着策展人的视觉品味、审美判断和文化思考。可以说，一个缺乏视觉审美判断力的策展人，好比是个“跛脚鸭”，总给人类似某些理论家、批评家那样坐而论道的印象，而不是像个艺术家那样身体力行、事无巨细，在行动中策展，用手去思考，用审美品味去判断所有可见物之间的关系。

李垚辰

中央美术学院美术馆典藏部主任、副研究员

本次讲座内容主要围绕博物馆藏品管理的概念和规则、库房设备与环境，李垚辰老师从“博物馆工作的根源”谈起，以“我们为什么收藏、什么是收藏、怎么收藏”等核心问题展开讨论。讲座主要分为收藏、藏品的库房管理、藏品利用、藏品修复与维护、藏品的档案及数据库建设五大板块具体介绍了藏品管理的工作流程。李垚辰老师结合丰富的文献以及图片，对于收藏的基本认识、博物馆视野中的收藏、就博物馆收藏的定义、收藏的目的、藏品的管理利用，设备、档案管理和数据库的建设以及藏品管理系统未来发展趋势等进行了细致的介绍。

典藏是博物馆体系中的重要一环，如今博物馆成为一种人类社会自我塑造的产物和价值判断的重要依据，博物馆藏品为建构社会文化价值起到关键作用，理解博物馆最根本的所在与终极关怀也是人类自我认识的途径之一。

吴鹏

中央美术学院美术馆展览部主任

吴鹏老师以“展览如何从文本转化为展览空间”作为切入点，以“如何对展览进行陈列和呈现”作为核心问题展开探讨。展览的概念随着时代变迁不断变化，吴鹏老师认为：“现代艺术展览是在特定时空当中综合元素的场景叙事，展览实则是制造一个当下空间中的艺术事件。”强调展览展示主要的特征包括客观性、唯一性、展示性和操作性。对展览展示的基本模型、核心逻辑、展示语言、方法、内容、流程等进行了简要介绍。就评估展陈系统运行与维护、美术馆与博物馆的展陈展示、如何维护美术馆的公共性、如何推进美术馆职业化深度进程展陈设计基本问题进行了进一步讨论。展览展示作为本身就带有主观意志的表达，我们该如何把握展览营造的流程与结果也是我们需要思考的问题。

任蕊

中央美术学院美术馆公共教育部主任、副研究员

任蕊老师主要讲述了关于博物馆公共教育专题的案例和研究结论，从理论层面探究，从体系层面建构，深度诠释公共教育与当代艺术的复合关系。并就引导公众参与艺术活动的策略与博物馆知识生产等方面列举了CAFAM的系列公教活动作为案例，美术馆近年来举行了不同类型、非常丰富的公共教育活动，促进公共教育领域的学术积累、实践经验和团队职业化建设，推动博物馆更好地承担公共文化服务和社会教育的职能。通过一系列生动的公共教育案例总结了博物馆应发挥建构主义的实践精神，集结跨科的知识，以参观者为中心交织多元参与的元素。

何一沙

中央美术学院美术馆媒体部主任

何一沙老师从新媒体的运营策略（以雷安德罗·埃利希展、安尼施·卡普尔展览的媒体宣传为例）和公共关系的维护两方面展开讲解。提出学院美术馆的媒体宣传工作，一方面要充分利用多元媒体平台和社会资源，发挥不同媒体的传播优势，对外输出推广展览内涵和艺术理念，例如利用新风格轻松活泼的视频号和抖音号，通上传视频、与流量博主联合直播等贴近大众的形式，提升关注度，达到宣传目的；还包括利用“大众点评”这类公众高关注度平台，拓宽展览宣传推广的受众圈层，提升关注度和流量；另一方面要秉持学术性和研究性，把握好获取热度与学术高度之间的平衡。媒体宣传不仅要向大众传播和普及艺术知识，还应该以提升公众艺术素养和审美品位为己任。

孙炜

中央美术学院美术馆发展部主任

孙炜老师的分享围绕发展部工作的开展分为两个板块：其一是美术馆社会拓展与合作的探索，另一方面是疫情后美术馆发展部所面临的挑战改变和思考。美术馆的发展部进行社会拓展就是将美术馆各部门专业化的工作成果有效梳理，并以社会公共美育形式进行体系化、品牌化放大，通过吸引并利用社会资源，反哺优秀文化资源呈现的美术馆运营良性循环生态机制建立的打造过程。从具体的案例分析入手，深度阐释了CAFAM社会拓展的四个方面，分别是赞助捐赠合作、会员发展、品牌赞助活动以及推广合作。发展部更像是一个美术馆连结社会支持的桥梁，作为美术馆发展部，需要明确美术馆作为非营利公益机构的定位和运行模式。除此之外，在疫情期间美术馆面临拓展新挑战，同时也出现了新的机遇。实际上不止是疫情前后，在移动互联网普及之后，我们的视野就应不止局限在一个实体空间，科技赋能数字文化产业创新，更多被大众接受的数字文化内容、场景与形式出现，由此必然衍生出新的美术馆赞助合作内容与方式分享最后总结了美术馆拓展工作的要点以及工作中相关文件的模版介绍，并提出不同类型美术馆社会合作中需思考的问题。

肖宝珍

中央美术学院美术馆智识中心主任

内容关于美术馆的品牌策略，包括美术馆的品牌定位、品牌特性以及市场营销。品牌定义包括品牌的有五个维度，包括品牌知名度，品牌认知度，品牌联想度，品牌忠诚度以及其他的品牌专有资产对于一个美术馆第一个最重要的就是美术馆的宗旨和使命是什么，另外就还有他的性格特征，他的标语。第二项是美术馆的形象，包括美术馆的VI识别系统，比如像logo，官方媒体的设计，展签设计，宣传物料，出版物等等。第三项，其实也是最重要的一点就是它的展览、教育、以及其他的活动，公教活动。这个在市场营销里，就是它的产品到底是什么。第四点就是美术馆自身的建筑以及周边的环境。第五点就是包括美术馆的藏品、员工本身、一些美术馆的年报、市场活动等等，也属于美术馆的品牌。我们在美术馆、博物馆届，有一句话叫做，藏品是你美术馆的立馆之本。第六点呢，就是美术馆所提供的相关服务，包括美术馆的书店、咖啡厅、还有他的就是他的衍生品店等等之类的。课程围绕着这六个维度进行了详解。

纪玉洁

中央美术学院美术馆设计部总监/主任、副研究员

在本次课程中，纪老师为我们带来了2021年成都双年展“时潮共燃”板块的策展分享，详细地讲述了“时潮共燃”板块的整个策展流程及细节，从主题理念的斟酌，到艺术家选择、沟通、作品确定以及展览的空间概念、视觉设计，事无巨细地向介绍了在策划“时潮共燃”板块时所面临的问题与解决办法。国际大型双年展的策展，实际上涉及到时代语境、城市特性、历史文化等多方面的背景考量，它所反映和折射的不仅是当代艺术的最新发展面貌和趋势，更重要的是对举办地城市表征的体现，与城市文化发展战略和城市文化定位息息相关。双年展可以激发城市活力，点亮城市文化，带动社会美育，推动中国艺术与全球艺术建立连接。纪老师的课程不仅让同学们对策划双年展有了具体、细致而深入的认知，还拓展了对策展与城市关系的认知，为后续的策展学习打下了坚实的基础。

孙文杰

红砖美术馆展览部部长

孙文杰老师以红砖美术馆作为课程的主要讲解对象，让同学们更深入了解民营美术馆的组织架构，也更加清晰的了解每次展览背后的筹备过程。课程中重点介绍展览项目的工作内容，作为一名策展人不仅需要具备学术研究方面的能力，同时也要具备在展览执行认知基础上所展现出来的综合统筹能力。孙老师以红砖发展时间轴线作为脉络为同学们介绍红砖美术馆举办的几次大型展览，以及在展览推广、塑造品牌影响力方面的策略规划，让同学们意识到高品质展览不仅是输出展览本身价值，更需要体现展览对于社会层面和公众层面的价值导向。最后，孙老师以疫情时间节点为话题与同学们共同讨论，关于疫情中和疫情后展览策划方式应如何转变与创新。通过本次授课，让同学们对策展工作建立起更系统性的认知。

李珂珂

中央美术学院展览策划与视觉传播博士

李珂珂老师以艺术基金会的运营模式作为切入点，拓宽我们的视野让我们以一种全新的视角来认识策展，认识美术馆。珂珂老师以国内外基金会作为讲述对象，从历史发展过程来讲述艺术基金会对美术馆及艺术的影响。从专业的角度为我们解读基金的基础架构设计。同时，对艺术基金进行概念、类型的对应剖析。引导我们从基金、从金融的角度认识艺术展和美术馆。珂珂老师还基于当下国情，帮助我们了解国家对艺术文化领域的政策支持。让我们认识到艺术品基金会与美术馆运营机制的关系，金融市场与艺术品市场的关系，以及基金会对艺术领域的影响。让我们更加了解美术馆运营背后更深层次的逻辑。

04 作业评议

结课汇报合影

中央美术学院设计学院

设计策展与空间叙事方向召集人

本次课程时长8周，与去年相比，在课程结构与内容的设置上有了更多的优化升级。除了中央美术学院美术馆展览实务的基础内容，还拓展了跨文化语境下的策展实践和新美术馆学视域下的策展方法等，为同学们建构美术馆与策展的关系认知以及拓展策展视野打下了坚实的基础。课程虽然在云端展开，但是我看到更加积极、投入和努力的同学们，你们在课堂与作业上表现出的聪慧、钻研以及团队协作精神，让我十分感动和感恩，因为这些都是成为优秀策展人的必备素养；更要感谢课程特邀专家们为同学们精心准备的高学术水准讲座。一分耕耘，一分收获，从宏观的美术馆定位、宗旨、职能、策展机制到具体的策展理念、展览逻辑、视觉设计、空间叙事，同学们交上了令人满意的答卷，也让2022年的春天充满勃勃生机。

每一组在对主题选择，作品选择，作品和主题的关系上都有着周密的考虑。同学们都以国际化的视野在关注展览的呈现，每一组的作业都有着较高的完整性。虚实相争项目逻辑关系比较完整，三个板块呈现出一种对问题由发现到解决的过程。视觉上可再抽象提炼。感知重构项目的作品关系和角度比较统一，平面视觉上略显简单。空间上需要更多的考虑观众与作品之间的关系。算法经纬项目的展览思路比较明确，结构上可以更为丰满，需注意作品和空间之间的关系。心像雕塑项目思路清晰，很好的利用了实际建筑空间，很巧妙的表现出从外化的世界往内心世界走的过程。四个项目在空间设计上可以更加简化，让结构特点能够凸显。

通过八周课程让同学们对展览流程、执行细节以及美术馆机制形成较为完整的认知，四组作业呈现出非常成熟和完整的面貌。从教学过程到学生成果非常饱满，在给予同学们肯定的同时也需提出几点可做精进的不足之处，以期教学内容更加完善。展览主题表达与参展作品内容之间的关联度，两者之间互为阐释、呼应是展览核心要点；展览空间设计的思考角度可更加开放，尝试有效利用空间语言与光影关系再造阅读条件，让展览空间与观者形成更多对话关系；如何处理展览形象设计和空间设计与解读展览主题之间的关系，通过设计手法为观众快速带入展览主题提供软性的帮助；在深究展览方案同时也需跳离语境站在参观者角度审看，可以更好理解展览核心内容的文化价值和观览体验的传达阅读。

四个组的选题都切入了当下设计策展领域、当代艺术领域较为关注的话题。虚实相争组在空间设计上，希望观众能够在展厅的行走中获得真实与虚拟所谓象征的体验。感知重构组也通过黑白空间的设计来进行对比。在阐释真实虚拟、元宇宙话题时，建议新增时下更年轻更网络化的新艺术家。算法经纬这个方案对艺术家作品的选择以及经历的记录是比较有启发性的，包含着历史的语境，视野非常好，落地的可实施性高，未来需要考虑声音艺术作品之间的相互干扰的问题。心像雕塑方案在舞台展厅的布景上做得非常好，将其很好的体现在空间中。

同学们通过课程对在美术馆空间中的策展提出了多重的解决方案，其中既有回顾历史、面向未来的话题也有针对当下的深入思考，思路清晰、表达完整。在展览设计的过程中，能够看到同学们的敏锐观察力与技术的结合，他们能够面向美术馆数字化转型的契机，通过空间设计语言打破“白盒子”带来的的既有想象，并提出多重解决方案。

再次对所有参与授课的老师、中央美术学院美术馆以及红砖美术馆表示诚挚感谢。

CAFA设计学院设计策展与空间叙事方向专栏 | 美术馆语境下的策展实务

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什么是设备橇装

小弟弱弱的问一句，什么是设备橇装?设备橇装设计是设计什么的？就是独立模块，界面里面的设备、管线、仪表、电气设备全部装配好。撬，就是某个设备在连接必须的管线、阀门、仪表，电气等必须的连接件以后放置在一个钢制的一个底座上面，安装过程通过底座吊装来实现，。撬设计包括设备设计、管道设计、底座设计、电气仪表选型设计等。也必须具备相应的设计资质了。借用楼主人气问一下啊,橇块设计需要什么资质,油田地面建设和炼油装置中都有哪些类型的橇块呀,谢各位大侠了.简单说可在生产厂组装调试后再运输到生产现场，那个钢制平台被称作橇。这种在工厂制造后整体运输到现场的设备就被称做橇装设备。换句话说，撬装也就是模块，英文称skid；比如在空分里，可以分成 主压缩机模块，冷箱模块，液氧泵模块，空气过滤器模块 等等；设计成可以运输的尺寸大小，把设备和相关的管线，电气线路集中安装在一个平台上或者框架里，在工厂进行预安装与预调试，运抵现场之后就可以把相关的模块接口进行连接，以缩短现场安装的时间，节省安装周期。比如说，一般空分现场安装需要18~24个月，用撬装之后，可以缩短到12~18个月。这个**程管理方便的需要,为了方便工程的分包,减少因为设备与土建不同承包商建计时相互的条件提资,而自己的设备放在自己提供的橇上,虽然有些浪费,但很方便.

“撬装式的机械设备”是什么概念

我们这好多机组都是这样的，说起来很简单，就是把机组各个部分安装在一个大型的整体底座上，就叫撬装式。安装时整体一装就可以了。比如我们厂的压缩机、离心机等都是撬装式的。

撬装加油站与传统地埋罐的区别是什么

山东隆泰石油装备有限公司的橇装式加油装置具有比传统埋地油罐更为严格的安全措施，设有自动灭火装置、紧急泄压装置、防溢流装置、高温自动断油保护阀、防爆装置等，能预防罐内因明火、静电、焊接、木仓击和碰撞等意外事故引发的爆炸，设备的安全性有保证。